Module de culture musicale : de la monodie à la polyphonie

Ce module inaugural de culture musicale propose une traversée de l'évolution du langage musical, partant de la monodie pour aboutir aux prémices de la polyphonie. La ligne directrice de cette exploration repose sur l'observation de la série des harmoniques. Ces harmoniques, ou partiels, constituent l'enveloppe acoustique d'un son fondamental, conférant son timbre et sa richesse à l'instrument. L'analyse de cette série révèle une progression où les intervalles utilisés se rétrécissent progressivement, offrant une base théorique pour comprendre les choix esthétiques musicaux au fil des siècles.

L'observation attentive de la série harmonique met en lumière les premiers intervalles rencontrés : successivement l'octave, la quinte et la quarte. Ces trois intervalles sont reconnus comme les consonances parfaites. Ils ont constitué le socle exclusif utilisé lors des premiers développements de la polyphonie primitive, avant que les compositeurs n'explorent des combinaisons plus complexes et nuancées.

Les trois intervalles de consonances parfaite qui était exclusivement utilisés dans les premiers pas de la polyphonie primitive.

Au fil du temps, les créateurs musicaux ont étendu leur palette, intégrant les tierces majeures et mineures, ainsi que les sixtes majeures et mineures. La superposition de ces intervalles a permis de générer des entités harmoniques de plus en plus riches. Par exemple, la combinaison des harmoniques 4, 5 et 6 permet de reconnaître un accord parfait majeur, lequel est resté une entité harmonique prédominante jusqu'au XVIIIe siècle. L'ajout du septième harmonique, le si bémol, transforma cet accord en une septième de dominante, illustrant l'exploration des zones plus éloignées de la résonance fondamentale.

Avant de plonger dans l'étude des premiers siècles du Moyen Âge, un retour sur la préhistoire musicale s'impose. Des traces archéologiques, comme la découverte d'instruments anciens ou l'observation de peintures rupestres, suggèrent que l'expression artistique sonore a toujours fait partie de l'existence humaine. Une analogie peut être établie avec le règne animal, où l'expression sonore sert divers objectifs, allant de la séduction à l'avertissement de danger, indiquant une fonction communicative primordiale.

Les moments d'expression sonore devaient accompagner les activités collectives. Le chant collectif et la danse jouaient un rôle central, tout comme dans la vie familiale où les berceuses accompagnaient l'endormissement des enfants. De même, les chants de guerre, les chants de chasse et les premiers rituels païens, qu'ils concernent la naissance ou la mort, impliquaient des phénomènes sonores et artistiques sous diverses formes.

La musique de notre ère est l'héritière de plusieurs traditions, notamment folkloriques et populaires, mais surtout religieuses. Il est établi que les traditions arabes et hébraïques ont joué un rôle majeur dans la construction des premières mélodies médiévales, qui mèneront plus tard au chant grégorien. Il est important de noter qu'à partir de 3000 avant Jésus-Christ, des traces de notation musicale apparaissent, bien que leur restitution sonore actuelle doive être abordée avec précaution.

Le choix de se concentrer sur la musique liturgique vocale à partir des VIIIe et IXe siècles s'explique principalement par la rareté des traces conservées des musiques populaires et folkloriques de cette époque, lesquelles dépendaient largement de la tradition orale. Il est donc plus aisé d'appuyer l'exploration sur des références écrites, qui étaient pratiquées et utilisées. L'église primitive, aux IVe et Ve siècles, empruntait énormément aux centres culturels byzantins et alexandrins, mais aussi occidentaux comme Rome ou Milan, offrant une variété esthétique dans les chants.

À partir du VIIIe et IXe siècle, une idée d'unité religieuse émerge, notamment sous l'influence de Charlemagne, reflétant sa volonté d'unité politique et la création d'un empire européen primitif. Cette unité religieuse se concrétise par l'uniformisation des chants utilisés lors des offices, menant à la création du chant grégorien. Ce corpus fut synthétisé dans des codex, permettant une diffusion, une copie et un transport aisés entre diocèses, tout en assurant un contrôle centralisé par le pouvoir papal sur les mélodies et les textes employés.

Dans les premiers temps de cette codification musicale, le code principal était l'écriture neume. Les neumes consistaient en de simples indications sous forme de petites courbes ou de repères pour guider l'interprète vers un mouvement mélodique ascendant ou descendant. Progressivement, cette écriture s'est précisée, intégrant des notations plus proches des systèmes actuels, avec des portées, des clés et des notes carrées. Cela a permis une détermination plus exacte de la hauteur, même si le rythme conservait une certaine approximation.

Chaque première syllabe correspond à l'ordre de nos notes ut ré mi fa sol la si.

Les interprètes et compositeurs des IXe et Xe siècles se sont progressivement lassés de la répétition monotone d'une seule mélodie chantée simultanément par tous. Cette lassitude a engendré l'idée d'évoluer vers ce qui fut appelé la polyphonie primitive. Cette forme initiale présentait une structure très simple, visant à ajouter une dimension sonore supplémentaire à la mélodie principale, créant ainsi un relief et une couleur plus intéressants par l'écart entre les voix.

La forme la plus élémentaire de cette polyphonie primitive était l'organum. Il s'agissait de doubler le plain-chant, qui était une mélodie à une seule voix, soit à l'octave, soit à la quinte, soit à la quarte. Ce doublage s'effectuait de manière strictement parallèle, maintenant une distance constante entre les deux lignes mélodiques. Il est significatif que ces trois intervalles soient précisément ceux des consonances parfaites, les premiers rencontrés dans la résonance harmonique, choisis pour leur pureté spirituelle.

Les compositeurs, tels que l'on peut l'identifier par les tentatives de variation, cherchèrent à ne pas seulement doubler la mélodie, mais à créer une deuxième ligne mélodique réellement indépendante de la première. Ceci impliquait des successions d'intervalles différents et l'introduction de mouvements obliques et de mouvements contraires. Cette polyphonie à deux voix s'est ensuite enrichie par la superposition d'un plus grand nombre de voix (trois, quatre, voire plus), et par l'adoption progressive des intervalles de tierce et de sixte.

À partir de trois notes superposées, on peut commencer à identifier des accords parfaits majeurs ou mineurs. Il est crucial de noter que la pensée harmonique de cette époque, y compris jusqu'à la Renaissance, n'était pas tonale mais modale. L'objectif principal résidait dans la maîtrise des intervalles et le maintien d'un degré de consonance, tout en intégrant la dissonance en lien avec la consonance. De plus, une porosité notable existait avec la musique populaire ; le rythme, en particulier celui de la danse, commençait à influencer la dynamique des musiques sacrées, annonçant l'évolution vers la période du contrepoint polyphonique de la Renaissance.